LE CORRIDOR

La galerie Le corridor est heureuse de présenter La mémoire des choses, une exposition rassemblant les œuvres de Dominique Lonchampt, Michel Rey et Sylvère.

Une même approche expérimentale et sensible de la matière privilégiant les couleurs pigmentaires, cendre, noir, ocre, réunit ces trois artistes autour d’un questionnement sur le temps. Plus précisément sur la survivance dans la mémoire du rapport intime aux « choses », sur leur disparition, regrettée ou souhaitée.

Pour réaliser ses dessins comme ses sculptures, Dominique Lonchampt s’intéresse aux objets usuels, oubliés, rouillés, et accumulés avec passion.

Dans ses dessins elle intervient, à l’aide de différents outils et médiums, sur les empreintes de poussières d’oxydes d’objets rouillés, une façon d’en sauvegarder la trace à la fois corporelle et évanescente.

Moulés en papier calque amidonné, agencés, assemblés, les objets deviennent aussi sculptures, exuvies*, métamorphoses allégoriques et poétiques de choses laissées pour compte, présences fantômes de gestes et souvenirs d’usage.

* Exuvie : Peau rejetée par l’animal lors de sa mue

La galerie Le corridor est heureuse de présenter La mémoire des choses, une exposition rassemblant les œuvres de Dominique Lonchampt, Michel Rey et Sylvère.

Une même approche expérimentale et sensible de la matière privilégiant les couleurs pigmentaires, cendre, noir, ocre, réunit ces trois artistes autour d’un questionnement sur le temps. Plus précisément sur la survivance dans la mémoire du rapport intime aux « choses », sur leur disparition, regrettée ou souhaitée.

Dans la série photographique Hantise de Michel Rey, les bouteilles plastiques déformées et peintes à la cendre, solitaires, groupées ou accumulées en tas, s’apparentent à des formes tremblantes, innommables, anachroniques. Apparitions charnelles de notre consumérisme, ces images spectrales, nous regardent, nous interpellent. Ni présentes, ni absentes, elles ont sur nous un droit de regard, sans réciprocité. Comment se débarrasser de ces traces-archives, les exorciser, les chasser une seconde fois, voire en faire le deuil à jamais ?

Le Corridor expose cet été deux artistes que réunit le recours à l’hybridation féconde entre différentes disciplines – photo-montages chez Yael Burstein, synthèse de la peinture et de la sculpture chez Antoine Salle. Les deux artistes métamorphosent le connaissable, suscitant chez le spectateur un dépaysement esthétique, qui le déstabilise, le capte et l’interroge sur sa relation à l’œuvre regardée.

Antoine Salle insère la couleur dans l’espace ». Ses peintures en relief sont préparées avec des rebuts -carton, mousse et emballages de matières diverses- volumes qu’il façonne et recouvre de couleurs pastel, acidulées ou fluorescentes jusqu’à masquer le matériau d’origine, et donner l’illusion d’une substance autre, troublante, difficile à définir : céramique ? silicone ?... Il leur attribue des titres facétieux et intrigants.

L’objet final déconcerte et séduit. Sa présence singulière s’affirme dans le rapport qui s’instaure entre le modelé de la sculpture, la question de son poids et de sa matérialité, la palette des couleurs et les jeux de lumière sur les volumes peints. Resté brut, une tranche colorée se reflétant parfois sur le mur, il est étonnamment élégant, minimal, gourmand, sensuel et teinté d’humour. Et, mine de rien, il nous invite à questionner notre appréhension de l’objet d’art, son rapport à l’espace et notre perception de la peinture.

Le Corridor expose cet été deux artistes que réunit le recours à l’hybridation féconde entre différentes disciplines – photo-montages chez Yael Burstein, synthèse de la peinture et de la sculpture chez Antoine Salle. Les deux artistes métamorphosent le connaissable, suscitant chez le spectateur un dépaysement esthétique, qui le déstabilise, le capte et l’interroge sur sa relation à l’œuvre regardée.

La pratique artistique de Yael Burstein est expérimentale. En associant photographies, collages et peinture, elle réalise des photo-montages déroutants et d’une grande force poétique auxquels les jeux d’optique entre volumes et planéité apportent mystère et profondeur, effroi et enchantement.

Les images d’intérieurs calmes et ordonnés, découpées dans de vieux magazines sont en partie masquées par l’intrusion d’éléments extérieurs naturels : arbres arrachés, éboulis de roches, coulée de sable du désert. Dans les petits formats, c’est un geste pictural intense, rose, ou bleu vif, qui vient s’inscrire sur le sofa, le couloir, ou la rue. L’univers hétérogène de ses photographies chargées d’une symbolique très forte revient à les inscrire dans une histoire singulière. Le familier devient effrayant. L’irrationnel envahit le quotidien. Peurs émanant de l’enfance ? Rupture d’un récit cohérent ? Métaphores sur la relation entre histoire et mémoire ? Visions de catastrophes anciennes ou annoncées ?

Pour cette première exposition à la galerie Le Corridor, Olivier Bartoletti et Sylvie Romieu présentent un ensemble d’œuvres aussi poétiques qu’ingénieuses, réalisées à partir d’objets du quotidien, détournés de leur usage et réutilisés dans des compositions aux multiples déclinaisons. La locution italienne moderato cantabile, qui donne son titre à l’exposition, s’est imposée pour réunir deux artistes qui pratiquent avec des petits riens, un art savant, sensible et mélodique.

Olivier Bartoletti élabore un lexique personnel où l’objet rebut est tour à tour matière et outil de ses peintures et dessins. Chez cet artiste, la peinture devient mise en volume et construction, « le tube de peinture, a été remplacé par le tube coloré du coton-tige » *, il devient l’élément de base de tissages reliés par du fil de pêche. Dans ses derniers travaux, il utilise des allumettes sur lesquelles il appose de la peinture pour réaliser des trames harmoniques flottant dans l’espace. Ces tissages, aériens, colorés, rigoureusement rythmés, s’ordonnent dans une abstraction mouvante et émouvante. Depuis peu, Olivier Bartoletti dessine à la pointe calcinée d’allumettes des tracés simples qu’il multiplie en cadence, en noir sur un fond blanc, parfois ponctués d’une touche de couleur. Cet archipel de signes qu’il renouvelle en subtiles variations sous différents formats témoigne de la résonance musicale dans l’imaginaire de l’artiste.

Sylvie Romieu pratique différents médiums : photographie, sculpture, écriture, qu’elle combine pour concevoir des fictions, en jouant sur le réel et l’irréel, depuis l’espace de sa maison. Ancrée dans son territoire des Corbières, dans la maison de son enfance, elle en connait les paysages et les plantes. Elle guette, observe les « presque riens » **, glane les brindilles, les herbes sauvages négligées qu’elle détourne de leur milieu, pour en faire la matière de compositions, nouveaux « habitats » fragiles, délicates sculptures-habitacles que recouvre un cube de plexiglas ou une cloche de verre. C’est aussi depuis son grenier- atelier qu’elle photographie des cartes « pour se perdre » **, paysages imaginaires construits à partir de cartes IGN, évocations troublantes qui nous désorientent et nous questionnent. Parfois son travail prend le chemin d’une double représentation du réel, l’une donnée par la photographie du paysage et l’autre par l’insertion de reproductions artistiques d’animaux, de végétaux, qui viennent l’habiter et en révèlent l‘inquiétante beauté.

*Olivier Bartoletti
**Sylvie Romieu

Pour cette première exposition à la galerie Le Corridor, Olivier Bartoletti et Sylvie Romieu présentent un ensemble d’œuvres aussi poétiques qu’ingénieuses, réalisées à partir d’objets du quotidien, détournés de leur usage et réutilisés dans des compositions aux multiples déclinaisons. La locution italienne moderato cantabile, qui donne son titre à l’exposition, s’est imposée pour réunir deux artistes qui pratiquent avec des petits riens, un art savant, sensible et mélodique.

Olivier Bartoletti élabore un lexique personnel où l’objet rebut est tour à tour matière et outil de ses peintures et dessins. Chez cet artiste, la peinture devient mise en volume et construction, « le tube de peinture, a été remplacé par le tube coloré du coton-tige » *, il devient l’élément de base de tissages reliés par du fil de pêche. Dans ses derniers travaux, il utilise des allumettes sur lesquelles il appose de la peinture pour réaliser des trames harmoniques flottant dans l’espace. Ces tissages, aériens, colorés, rigoureusement rythmés, s’ordonnent dans une abstraction mouvante et émouvante. Depuis peu, Olivier Bartoletti dessine à la pointe calcinée d’allumettes des tracés simples qu’il multiplie en cadence, en noir sur un fond blanc, parfois ponctués d’une touche de couleur. Cet archipel de signes qu’il renouvelle en subtiles variations sous différents formats témoigne de la résonance musicale dans l’imaginaire de l’artiste.

Sylvie Romieu pratique différents médiums : photographie, sculpture, écriture, qu’elle combine pour concevoir des fictions, en jouant sur le réel et l’irréel, depuis l’espace de sa maison. Ancrée dans son territoire des Corbières, dans la maison de son enfance, elle en connait les paysages et les plantes. Elle guette, observe les « presque riens » **, glane les brindilles, les herbes sauvages négligées qu’elle détourne de leur milieu, pour en faire la matière de compositions, nouveaux « habitats » fragiles, délicates sculptures-habitacles que recouvre un cube de plexiglas ou une cloche de verre. C’est aussi depuis son grenier- atelier qu’elle photographie des cartes « pour se perdre » **, paysages imaginaires construits à partir de cartes IGN, évocations troublantes qui nous désorientent et nous questionnent. Parfois son travail prend le chemin d’une double représentation du réel, l’une donnée par la photographie du paysage et l’autre par l’insertion de reproductions artistiques d’animaux, de végétaux, qui viennent l’habiter et en révèlent l‘inquiétante beauté.

*Olivier Bartoletti
**Sylvie Romieu

L’exposition temps soulevés, qui réunit Caroline Duchatelet et Delphine Wibaux, invite à l’expérience sensible du temps - donner le temps de voir, devenir perméable à ce qui nous entoure. Les deux artistes pratiquent un art en lien intime avec la nature, végétale, minérale, l’air et la lumière. Toutes deux adoptent une attitude de guet, de veille, d’observation des éléments et de leurs subtiles métamorphoses. Leurs modes de faire, différents, rendent visibles les effets du temps et nous mettent en capacité de les recevoir.

Caroline Duchatelet filme la lumière et ses variations sur des paysages, avec notamment une série sur l’aube.

« Chaque paysage a sa lumière, ses lumières, son rythme, sa respiration, ses saisons. Marcher, attendre. S’accorder à ce paysage, à ses moments changeants. L’écouter, suivre une orientation, une surface d’accueil de la lumière. Y vivre les petites heures, celles de solitude, d’éveil, d’émergence du jour ou de sa fin. Ces heures qui effacent les limites, qui fondent les formes, qui atténuent la vue. Quand le temps se mesure encore au déplacement de l’ombre, quand il s’éprouve physiquement dans ses variations de températures. La lumière se lève ou se retire imperceptiblement. Elle fait respirer le paysage. Son rythme est souffle. » (Caroline Duchatelet)

Depuis peu, elle explore un nouveau geste photographique, les regards-respirations, un geste d’accueil guidé par l’écoute du paysage et le souffle de la respiration. L’image du paysage s’efface dans le flux d’une lumière qui s’imprime le temps d’un souffle. Caroline Duchatelet présente ici une série inédite réalisée à l’occasion d’une résidence de création en Camargue proposée par le Corridor, ainsi qu’une vidéo, vendredi 8 janvier, réalisée en 2021 dans la Meuse avec Vent des Forêts.*

* Centre d’art à ciel ouvert et résidence d’artistes.

L’exposition temps soulevés, qui réunit Caroline Duchatelet et Delphine Wibaux, invite à l’expérience sensible du temps - donner le temps de voir, devenir perméable à ce qui nous entoure. Les deux artistes pratiquent un art en lien intime avec la nature, végétale, minérale, l’air et la lumière. Toutes deux adoptent une attitude de guet, de veille, d’observation des éléments et de leurs subtiles métamorphoses. Leurs modes de faire, différents, rendent visibles les effets du temps et nous mettent en capacité de les recevoir.

La pratique de Delphine Wibaux est expérimentale. « Ce qui est en jeu dans la variété des techniques qu’elle utilise, c’est le passage du temps et l’écoute constamment maintenue de la nature. » (Jean-Christophe Bailly).

Les Absorptions, sont issues d’un long processus de captation, de recueil des traces et des empreintes visuelles produites par le soleil sur des surfaces végétales photosensibles préparées à partir de végétaux récoltés dans son environnement.

Ces « images mouvantes**» allient « photographie, nature, lumière, mémoire **». Inscrites dans une temporalité humaine, végétale et minérale, elles vont progressivement s’éclaircir jusqu’à une sorte de monochrome, qui restera habité d’indices de l’image qui a été présente. C’est le cas sur le long format Absorption, Tbilisi, point de départ de cette proposition, résultant d'une exploration du paysage en Géorgie.

Pour les Doubles Absorptions que Delphine Wibaux propose ici en parallèle, c’est une seconde image qui viendra se révéler sous la première, une fois que la première strate pigmentaire aura migré. Cette série fonctionne par vagues : vagues de perception, d'émergence et de transformation pour les regards attentifs, ouvrant vers un voyage sensoriel.

Echos aux Absorptions, les Témoins souples sont, quant à elles, des sculptures stabilisées, minérales, composées de céramiques et de pierres, réceptacles d’images inscrites dans la terre et dans la durée, formes archéologiques possibles pour un futur proche.

* * Delphine Wibaux

L’exposition Réminiscences I et II réunit les portraits photographiques d’Alexandra Bellamy et les peintures abstraites de Françoise Deverre. Deux œuvres fortes, sensibles, inscrites dans l’histoire de la peinture et résolument contemporaines dans l’approche singulière qu’elles proposent, l’une des liens mère-enfant, l’autre de « la dimension chaotique » du monde.

Dans un rapport inversé à la traditionnelle représentation picturale de la mère et l’enfant depuis le Moyen-Age, c’est la mère que l’on « porte en soi » que les portraits d’Alexandra Bellamy questionnent à travers un protocole. La posture ou l’objet choisi par le modèle, bijou, foulard, vêtement, pour évoquer la mère deviennent la « concrétion » de la mémoire. La mise en scène sur un fond monochrome, éclairé d’une lumière douce, renvoie le sujet à son intériorité. Le regard se concentre, se retire, se perd. La légende qui accompagne ces portraits est percutante, dure ou drôle parfois, toujours émouvante. Ces tableaux dont l’organisation convoque la présence de la mère et en remémore l’absence sont, pour le regardeur, un appel troublant à un retour vers soi, vers sa propre intimité.

« Diversités et constance - Ordre et désordre », c’est ainsi que Françoise Deverre définit sa peinture. L’artiste, après 30 années de pratique sur la base du polyptyque, inaugure en 2018 de nouvelles séries. Les œuvres présentées dans l’exposition ont été réalisées ces quatre dernières années. Ce sont des toiles et des papiers pensés dans leur unicité. Toujours sans châssis, les œuvres font converger expressionnisme abstrait, informel, formes géométriques. Elles questionnent la peinture tout en proposant une mise en parallèle d’un monde fait de pluralités, de contradictions, de différences.

L’exposition Réminiscences I et II réunit les portraits photographiques d’Alexandra Bellamy et les peintures abstraites de Françoise Deverre. Deux œuvres fortes, sensibles, inscrites dans l’histoire de la peinture et résolument contemporaines dans l’approche singulière qu’elles proposent, l’une des liens mère-enfant, l’autre de « la dimension chaotique » du monde.

Dans un rapport inversé à la traditionnelle représentation picturale de la mère et l’enfant depuis le Moyen-Age, c’est la mère que l’on « porte en soi » que les portraits d’Alexandra Bellamy questionnent à travers un protocole. La posture ou l’objet choisi par le modèle, bijou, foulard, vêtement, pour évoquer la mère deviennent la « concrétion » de la mémoire. La mise en scène sur un fond monochrome, éclairé d’une lumière douce, renvoie le sujet à son intériorité. Le regard se concentre, se retire, se perd. La légende qui accompagne ces portraits est percutante, dure ou drôle parfois, toujours émouvante. Ces tableaux dont l’organisation convoque la présence de la mère et en remémore l’absence sont, pour le regardeur, un appel troublant à un retour vers soi, vers sa propre intimité.

« Diversités et constance - Ordre et désordre », c’est ainsi que Françoise Deverre définit sa peinture. L’artiste, après 30 années de pratique sur la base du polyptyque, inaugure en 2018 de nouvelles séries. Les œuvres présentées dans l’exposition ont été réalisées ces quatre dernières années. Ce sont des toiles et des papiers pensés dans leur unicité. Toujours sans châssis, les œuvres font converger expressionnisme abstrait, informel, formes géométriques. Elles questionnent la peinture tout en proposant une mise en parallèle d’un monde fait de pluralités, de contradictions, de différences.

On découvre cet été au Corridor, dans l’exposition Couleur , Colore , Color, les photographies d’espaces « entre deux » de Luca Gilli, dont la perception est littéralement bouleversée par un trop plein de lumière, et les peintures de Philippe Judlin, de petits formats, résultat d’une multitude de couches colorées que la tranche garde en mémoire. Restitutions d’un monde spirituel, plein de lumière et de couleurs s’associant subtilement aux blancs et aux gris.

Luca Gilli photographie des chantiers en construction, des lieux incertains, entre deux affectations. La lumière dense, saturée et diffuse, les formes ou les objets sans ombres, libérés de la gravité, les couleurs des motifs comme travaillées au pinceau, renversent les repères habituels. Ses photographies, à la lisière du réel, procèdent d’une recherche primordiale de simplification, d’un cheminement vers l’épure.

Les peintures de Philippe Judlin, denses, minimalistes, toujours poétiques, résultent d’un long travail de sédimentation. Philippe Judlin peut mettre plusieurs années à les peindre, les laissant sécher à plat sur les étagères de son atelier, géométries vacillantes sur l’endroit, traces du temps sur la tranche. Et c’est paradoxalement à force de strates successives concentrées sur des supports de petite taille que l’artiste atteint l’essentiel, le nécessaire.

On découvre cet été au Corridor, dans l’exposition Couleur , Colore , Color, les photographies d’espaces « entre deux » de Luca Gilli, dont la perception est littéralement bouleversée par un trop plein de lumière, et les peintures de Philippe Judlin, de petits formats, résultat d’une multitude de couches colorées que la tranche garde en mémoire. Restitutions d’un monde spirituel, plein de lumière et de couleurs s’associant subtilement aux blancs et aux gris.

Luca Gilli photographie des chantiers en construction, des lieux incertains, entre deux affectations. La lumière dense, saturée et diffuse, les formes ou les objets sans ombres, libérés de la gravité, les couleurs des motifs comme travaillées au pinceau, renversent les repères habituels. Ses photographies, à la lisière du réel, procèdent d’une recherche primordiale de simplification, d’un cheminement vers l’épure.

Les peintures de Philippe Judlin, denses, minimalistes, toujours poétiques, résultent d’un long travail de sédimentation. Philippe Judlin peut mettre plusieurs années à les peindre, les laissant sécher à plat sur les étagères de son atelier, géométries vacillantes sur l’endroit, traces du temps sur la tranche. Et c’est paradoxalement à force de strates successives concentrées sur des supports de petite taille que l’artiste atteint l’essentiel, le nécessaire.

Exposition dédiée à Joelle Busca*

Réunir au Corridor, dans l’exposition Hors-temps les peintures de Sylvère et les sculptures de Dominique Lonchampt, est une évidence, tant leurs œuvres entrent en résonance et renvoient – telle une chambre d’échos - à une mémoire géologique, minérale. Hors des classifications temporelles, ils en donnent une traduction à la fois rigoureuse et délicatement poétique.

La peinture de Sylvère, faite d’affleurements, d’empreintes, de traces, de lignes, de couleurs, de signes géométriques simples et répétitifs revendique l’art de la paroi, l’essence même de l’art des origines.

Les sculptures de Dominique Lonchampt - Archives - se présentent comme le résultat d’une archéologie inversée : par ses façons de construire, d’assembler terre cuite, plomb, bois, carton, papier, d’associer cendres et oxyde de fer, de creuser la matière comme si elle l’extrayait de la paroi, par un travail de sédimentation, d’empilement des couches, elle rend palpable la mémoire du temps.

*Joëlle Busca, notre amie et critique d’art, nous a quittés en janvier 2021. Elle a écrit des textes magnifiques pour plusieurs des artistes que nous avons exposés, Dominique Lonchampt, Sylvère, Françoise Deverre, Philippe Judlin, Yoan Gil, Aurélie Aura, Augustin Pineau, Michel Rey et a réalisé des livres d’artiste avec certains d’entre eux. Nous voulons par cette exposition rendre un hommage à une écrivaine d’une subtilité intense, d’une justesse percutante, une érudite, amoureuse de l’art et des artistes.

Exposition dédiée à Joelle Busca*

Réunir au Corridor, dans l’exposition Hors-temps les peintures de Sylvère et les sculptures de Dominique Lonchampt, est une évidence, tant leurs œuvres entrent en résonance et renvoient – telle une chambre d’échos - à une mémoire géologique, minérale. Hors des classifications temporelles, ils en donnent une traduction à la fois rigoureuse et délicatement poétique.

La peinture de Sylvère, faite d’affleurements, d’empreintes, de traces, de lignes, de couleurs, de signes géométriques simples et répétitifs revendique l’art de la paroi, l’essence même de l’art des origines.

Les sculptures de Dominique Lonchampt - Archives - se présentent comme le résultat d’une archéologie inversée : par ses façons de construire, d’assembler terre cuite, plomb, bois, carton, papier, d’associer cendres et oxyde de fer, de creuser la matière comme si elle l’extrayait de la paroi, par un travail de sédimentation, d’empilement des couches, elle rend palpable la mémoire du temps.

*Joëlle Busca, notre amie et critique d’art, nous a quittés en janvier 2021. Elle a écrit des textes magnifiques pour plusieurs des artistes que nous avons exposés, Dominique Lonchampt, Sylvère, Françoise Deverre, Philippe Judlin, Yoan Gil, Aurélie Aura, Augustin Pineau, Michel Rey et a réalisé des livres d’artiste avec certains d’entre eux. Nous voulons par cette exposition rendre un hommage à une écrivaine d’une subtilité intense, d’une justesse percutante, une érudite, amoureuse de l’art et des artistes.